Archives par mot-clé : art contemporain

Artisanat et révolution

Ceci est le texte d’une conférence donnée au Centre d’art contemporain du Parc Saint-Léger à Pougues-les-eaux le 4 avril 2017, en marge de l’exposition de Florentine Lamarche et Alexandre Ovize, Les motifs sauvages (19/02 – 30/04/2017). Que sa directrice, Catherine Pavlovic, soit chaleureusement remerciée de son invitation.

Florentine Lamarche et Alexandre Ovize, L’Artichaut, 2015

Dans leurs gros vases en céramique, qu’ils ont produits au Mexique, Florentine Lamarche et Alexandre Ovize glissent parfois une chaussure, elle aussi en céramique. Etrange endroit. A qui appartiennent ces chaussures ? Est-ce à un mort, comme si la chaussure était tout ce qu’il en restait, pieuse relique conservée dans une urne funéraire artistiquement travaillée ? Quand un artiste cache un détail dans son œuvre, et que seuls les plus fins observateurs le dénichent, c’est souvent que l’on touche là à une question personnelle, peut-être intime, une question que l’on n’a pas envie de partager forcément avec les spectateurs distraits et moyennement intéressés, mais avec ceux dont le regard patient mérite d’entrer dans la confidence.

La clé m’a été donné par Pedro Morais, critique d’art, qui a organisé il y a quelques mois une exposition à Paris, dans laquelle il exposait un de ces vases à chaussure secrète de Lamarche-Ovize. La chaussure, m’expliqua-t-il, est une allusion au cordonnier de la Commune, l’artiste des barricades, Napoléon Gaillard. Pourquoi un artisan cordonnier devint-il l’un des maîtres d’œuvre de l’insurrection et du mouvement populaire qui renversa l’ordre du monde pendant 72 jours ? Etait-ce un hasard, ou bien existe-t-il un lien structurel entre artisanat et révolution ? Et pourquoi deux artistes d’aujourd’hui font-ils signe vers cette figure glorieuse dans l’histoire des mouvements populaires, mais qui a peu laissé de trace dans l’histoire de l’art ? Ce sont les questions auxquelles je vais essayer de répondre dans l’heure qui suit. Continuer la lecture de Artisanat et révolution

Nouvelles de la Kula (le vernissage)

Une exposition avec :

Pauline Curnier-Jardin, João Maria Gusmão et Pedro Paiva,

Louise Hervé et Chloé Maillet, Thierry Liégeois, Len Lye, Pia Maria

Martin, Mika Rottenberg et Jon Kessler, Thomas Teurlai, Rémi Voche

Sur une proposition de Thomas Golsenne

vernissage vendredi 21 février à 18h30 avec une performance de Rémi Voche

Exposition jusqu’au 26 avril

Nouvelles de la Kula est un voyage à travers les formes artistiques contemporaines de l’animisme. Attribuer une intériorité humaine aux animaux, aux végétaux, aux pierres et aux lacs, et s’en distinguer par les apparences, par la parure, c’est la formule ethnologique de l’animisme, telle qu’on l’observe en Amazonie ou en Océanie, mais aussi dans l’Europe pré-moderne. Avec la modernité, l’animisme n’a pas disparu, mais il a changé de forme et de fonction : il manifeste une résistance face à la modernité et il prend la forme mécanique de l’image animée ou de la machine célibataire – quand ce n’est pas, à travers la performance, une citation presque directe des rituels animistes. Cette résistance n’a jamais été plus forte qu’aujourd’hui, car bon nombre d’artistes contemporains interrogent les origines du cinéma, les esprits invisibles ou les rites chamaniques – signe sans doute que la modernité elle-même est en crise et que se fait sentir le besoin de réenchanter le monde.  Nouvelles de la Kula offre une sélection de films, de vidéos, d’installations et de performances produits par des artistes trentenaires dont les travaux traduisent l’acuité de leur regard sur cette situation et la pertinence de leurs réponses.

Centre d’Arts Plastiques  Espace Léon Blum – Rue de la Rochette – BP 100 – 69195 Saint-Fons cedex – tél +33(0)472 09 20 27

centre.arts.plastiques@saint-fons.fr

www.adele-lyon.com

www.saint-fons.fr

ouvert du mardi au samedi de 14h à 18h

Essais de bricologie : un appel à contributions

TECHNIQUES & CULTURE

Appel à contributions pour le théma :

Essais de Bricologie

La revue Techniques & culture lance un premier appel à contributions pour un numéro intitulé « Essais de bricologie. Ethnologie de l’art et du design contemporain » porté par deux coordonnateurs, un historien de l’art, Thomas Golsenne (Villa Arson, Nice) et une historienne du design, Patricia Ribault (ESAD, Reims). Ce numéro thématique vise à explorer les relations entre l’anthropologie et la création contemporaine. Il s’attachera en particulier aux savoir-faire des uns et des autres sous la forme d’un quasi-manifeste de « bricologie ».

Ce numéro est largement ouvert aux disciplines des sciences sociales et donnera lieu à une rencontre scientifique préparatoire avant l’édition à proprement parler. Sont également prévues, une exposition à la Villa Arson et des rencontres scientifiques et publiques avec des artistes et scientifiques à la Villa Noailles, la Villa Arson et l’Ehess de Marseille. Continuer la lecture de Essais de bricologie : un appel à contributions

Rencontre du troisième type à Ermenonville : sur un livre de Bruno Latour et une performance de Louise Hervé et Chloé Maillet

Dans son dernier livre, Enquête sur les modes d’existence, Bruno Latour formule ce qu’on peut appeler une sorte de théorie de l’art, bien qu’il ne la désigne pas ainsi – et à juste titre. Mais avant d’y venir il faut la mettre dans son contexte. L’enjeu premier de cet ouvrage est de dessiner une « anthropologie des modernes », en mettant en scène une ethnologue qui étudierait tour à tour les pratiques des scientifiques dans leurs laboratoires, les inventions des techniciens et les recherches des artistes dans leurs ateliers, les formulations des juristes dans leurs cabinets ou les rituels des religieux dans leurs églises. L’ethnologue latourienne montre ainsi que décidemment, les modernes ne font pas ce qu’ils disent, démentent en pratique ce qu’ils affirment en théorie. Mais son enjeu second consiste à fournir des outils théoriques, à élaborer une méthode, à établir des repères pour dépasser la simple critique du discours des modernes et analyser leurs pratiques sans utiliser leurs concepts et leurs méthodes. Continuer la lecture de Rencontre du troisième type à Ermenonville : sur un livre de Bruno Latour et une performance de Louise Hervé et Chloé Maillet

Rencontre du troisième type à Ermenonville : sur un livre de Bruno Latour et une performance de Louise Hervé et Chloé Maillet

Dans son dernier livre, Enquête sur les modes d’existence, Bruno Latour formule ce qu’on peut appeler une sorte de théorie de l’art, bien qu’il ne la désigne pas ainsi – et à juste titre. Mais avant d’y venir il faut la mettre dans son contexte. L’enjeu premier de cet ouvrage est de dessiner une « anthropologie des modernes », en mettant en scène une ethnologue qui étudierait tour à tour les pratiques des scientifiques dans leurs laboratoires, les inventions des techniciens et les recherches des artistes dans leurs ateliers, les formulations des juristes dans leurs cabinets ou les rituels des religieux dans leurs églises. L’ethnologue latourienne montre ainsi que décidemment, les modernes ne font pas ce qu’ils disent, démentent en pratique ce qu’ils affirment en théorie. Mais son enjeu second consiste à fournir des outils théoriques, à élaborer une méthode, à établir des repères pour dépasser la simple critique du discours des modernes et analyser leurs pratiques sans utiliser leurs concepts et leurs méthodes. Continuer la lecture de Rencontre du troisième type à Ermenonville : sur un livre de Bruno Latour et une performance de Louise Hervé et Chloé Maillet

Du mode technique d'existence des objets artistiques

Ceci est le texte remanié d’une conférence donnée au Musée du quai Branly le 28 mars 2013 dans le séminaire « Culture matérielle » organisé par Ludovic Coupaye et Jean-Paul Demoule. Que l’assistance soit remerciée pour son écoute attentive et ses commentaires fructueux.

Je voudrais présenter ici un projet de recherche qui commence à se mettre en place à la Villa Arson, l’école d’art où j’enseigne, intitulé pour l’instant Essais de bricologie. Il comprend deux volets principaux : une exposition et un numéro de Techniques & Culture qui sera consacré aux techniques dans l’art contemporain et le design. J’aimerais expliquer pourquoi cette envie de travailler sur les objets artistiques du point de vue des techniques, et surtout pourquoi ce recours à l’anthropologie des techniques. Je précise que je n’aborderai pas ici les questions posées par le design, parce que ce n’est pas mon domaine de compétence. Je me concentrerai sur les arts plastiques contemporains et leur rapport aux techniques, ce qui est déjà un assez gros problème. Continuer la lecture de Du mode technique d'existence des objets artistiques

Du mode technique d'existence des objets artistiques

JEUDI 28 OCTOBRE – 18h30

Dans le cadre du séminaire Culture Matérielle, dirigé par Ludovic Coupaye et Jean-Paul Demoule, au Musée du quai Branly

j’aurai l’honneur de présenter les hypothèses inaugurales d’un projet de recherche

intitulé

Essais de bricologie

concernant les rapports entre les arts plastiques et l’anthropologie des techniques

« La culture s’est constituée en système de défense contre les techniques », écrit Gilbert Simondon en 1958

Remplacez « culture » par « art », ça marche aussi

Je voudrais essayer de montrer pourquoi

et comment sortir de cette situation conflictuelle

***

Musée du Quai Branly

37 quai Branly 75007 Paris

ateliers 2 et 3, sous-sol

18h30 – 20h30

entrée libre

Note sur l'exposition d'Antoni Muntadas au Jeu de Paume

Ma rapide visite de l’exposition d’Antoni Muntadas Entre / Between aux Galeries nationales du Jeu de Paume à Paris (qui se termine le 20 janvier) m’a laissé dans le doute.

Je ne connais de cet artiste que ce que j’en ai vu dans l’exposition. D’après ce que j’ai compris, ce Catalan d’origine a commencé au début des années 70 à s’intéresser aux pratiques mettant en question les perceptions corporelles, à travers des séries d’actions et de performances. Continuer la lecture de Note sur l'exposition d'Antoni Muntadas au Jeu de Paume

Louise Hervé et Chloé Maillet à la Synagogue de Delme

A propos de l’exposition de Louise Hervé et Chloé Maillet, Attraction étrange, Centre d’Art Contemporain de la Synagogue de Delme, 24 février – 13 mai 2012

La synagogue de Delme, vue de l'autel. Un journal est posé sur une étagère verte

La portée didactique d’un display pluriséculaire

La synagogue de Delme, édifice du XIXe siècle, est construite selon un plan central dominé par une coupole carrée ; un étage forme une tribune sur deux côtés face à face. Sur le mur face à l’entrée, l’autel, et pas de tribune.

Cette disposition de l’espace ressemble peu ou prou à celle de certaines chapelles chrétiennes, je pense par exemple à la chapelle Pazzi de Brunelleschi. Cette comparaison aura son importance par la suite.

Les artistes ont réparti leur intervention en deux espaces séparés dans la synagogue. Continuer la lecture de Louise Hervé et Chloé Maillet à la Synagogue de Delme

Alien Theory, une exposition de João Maria Gusmão et Pedro Paiva

Alien Theory (photo Martin Argyroglo)

Pourquoi filmer en pellicule à l’époque de la vidéo numérique ? C’est cher et contraignant. Quand on projette le film, le projecteur fait un boucan infernal ; sinon il faut transposer le film sur dvd, mais cette opération est également coûteuse (et on perd de la définition).

L’apparition de la vidéo a constitué une libération pour les artistes dans les années 70 qui, sans trop de moyens mais avec beaucoup d’idées, ont pu ainsi réaliser des films parfois longs et se sont livrés, grâce à des trucages divers et variés, rendus encore plus efficaces par l’informatique, à l’expression de tous leurs fantasmes artistiques.

Mais aujourd’hui, dans les expositions, les films en pellicule sont à l’honneur. Partout on voit et on entend ces projections en super 8, en 16 ou en 35 mm chez les artistes qui sont apparus dans les années 2000. Continuer la lecture de Alien Theory, une exposition de João Maria Gusmão et Pedro Paiva

La Perspective du Diable de Patrice Maniglier

Patrice Maniglier, La Perspective du Diable. Figurations de l’espace et philosophie de la Renaissance à Rosemary’s Baby, s.l., Actes Sud/Villa Arson, 2010

Je ne m’intéresserai pas ici à la posture d’un philosophe qui entend commenter un projet artistique – en l’occurrence Rosemary’s Place de Laetitia Delafontaine et Grégory Niel – aux problèmes généraux que cela pose (illustration d’une thèse, élucubrations générales prenant prétexte d’une œuvre particulière, ignorances esthétiques ou historiques etc.) ni aux réponses propres que l’auteur formule à leur sujet. D’une part parce que celui-ci est parfaitement conscient de ces problèmes, qu’il y répond assez bien (les défauts énumérés ci-dessus sont quasiment tous absents de ce livre) et que beaucoup de critiques et d’historiens de l’art, qui reprochent d’ordinaire aux philosophes leurs « élucubrations », feraient bien de s’inspirer de la patiente description et de l’analyse précise de Rosemary’s Place dont fait preuve ici Patrice Maniglier. D’autre part parce que la portée profonde de l’ouvrage est beaucoup plus intéressante à discuter. Continuer la lecture de La Perspective du Diable de Patrice Maniglier

Brutal Warburg de Stéphane Bérard

Stéphane Bérard, Cimetière animalier, 2011 (c) Katia Feltrin

Un petit roi entre dans une exposition de « sculpture moderne ». Il se retrouve face à une figure anthropomorphique et abstraite, qui l’étonne beaucoup. On ne sait pas trop ce qui se passe après, probablement quelque chose de drôle qui montre l’incompréhension du roitelet vis-à-vis de la « sculpture moderne » ou l’incongruité de celle-ci devant le bon sens du souverain. Ce qu’on sait, c’est qu’il s’agit d’un fragment de la bande dessinée d’Oswald Soglow, inséré dans le combine de Rauschenberg intitulé Minutiae (1954) — le premier, ou l’un des premiers combine paintings de celui qui allait devenir une star de l’art américain des années 60, symbole d’une avant-garde post-duchampienne et pré-pop1.

Ce qu’on peut deviner (à défaut de la fin de l’histoire du Little King), c’est que la situation décrite par la caricature dans la BD, et son usage par Rauschenberg, s’inscrivent dans le contexte moderniste de l’art depuis Manet : l’art d’avant-garde qui s’expose dans les galeries, les musées, choque le public par son refus de la tradition, sa nouveauté, sa bizarrerie. L’artiste moderniste remet en cause le contenu de l’art. Continuer la lecture de Brutal Warburg de Stéphane Bérard

  1. Sur cette identification, C. Stuckey, « Minutiae et le genre Combine de Rauschenberg », in Robert Rauschenberg, Combines, catalogue de l’exposition, Paris, Centre Georges-Pompidou, 11 octobre 2006 – 15 janvier 2007, Paris : MOCA : Editions du Centre Pompidou, 2006. []